«Уновис», «Зорвед» и МАИ: путеводитель по объединениям художников 1920-х
1920-е годы — период, когда в Советской России заявляли о себе и стремительно сменяли друг друга объединения художников. Большая часть организаторов и участников этих объединений училась у старшего поколения новаторов авангардного искусства в московских Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас) и петроградском Высшем художественно-техническом институте (Вхутеин); многие были тесно связаны с деятельностью Музея живописной культуры и Государственного института художественной культуры (Гинхук, Петроград).
Если в 1910-х годах молодые бунтари из круга Ларионова, Машкова и Кончаловского, Матюшина использовали выставку, манифест и диспут как наиболее успешный жест с точки зрения самоутверждения в артистическом сообществе (тогда зарегистрировались только группы «Союз молодежи» и «Бубновый валет»), то в 1920-х годах таким жестом стала официальная регистрация объединений художников-единомышленников. Помимо прочего, это позволяло им получать государственные заказы (например, на оформление массовых праздников), участвовать в государственных выставках, бороться за право влиять на развитие советского искусства или просто вписывать свои имена в историю. Программные тексты, или уставы, официально зарегистрированных объединений были неотъемлемой частью их самопрезентации, давали возможность выделить свой коллектив среди современников и объяснить уникальность группового творческого пути, метода, выбор стилистической и сюжетной линии.
Все это художественное бурление и кочевание из одного объединения в другое закончилось резко — в 1932 году, когда ЦК ВКП(б) выпустил постановление «О перестройке литературно-художественных организаций», согласно которому все объединения художников должны были прекратить существование, а их участники — влиться в единый Союз художников.
«Зорвед»
1923–1932 годы, Петроград–Ленинград
Кто придумал
Михаил Матюшин — живописец, композитор, теоретик искусства и педагог; один из организаторов петроградского «Союза молодежи», первого в истории авангарда официально зарегистрированного объединения (1910–1919). Матюшин был инициатором постановки и автор музыки футуристической оперы «Победа над Солнцем» (1913) на либретто поэта-футуриста Алексея Кручёных в декорациях вдохновителя «Уновиса» Казимира Малевича.
Другие участники
Борис, Мария, Георгий и Ксения Эндеры, Николай Гринберг, Николай Костров.
С чего все началось
В 1923 году Михаил Матюшин заведовал отделом органической культуры в петроградском Музее художественной культуры (с 1924 года — Государственный институт художественной культуры, или Гинхук). Группу «Зорвед» он создал вместе со своими учениками и сотрудниками. За словами «зрение» и «ведание», образовавшими аббревиатуру, стоял новый эмпирический и духовный опыт членов объединения.
Теория
Согласно Матюшину, восприятие глазами ограничивает художника: он замечает лишь детали наблюдаемого явления или объекта по центру, правой или левой стороне, не связывая их друг с другом. Поэтому художник должен овладеть «расширенным смотрением». На помощь глазам приходит все тело, взгляд разворачивается на 360 градусов и охватывает поле зрения целиком — как сферу, где все взаимосвязано. Подобное «раскрепощение взора» и тренировка воображения достигаются в постоянном общении с природой и медитациях, которые практиковали участники объединения. В статье «Не искусство, а жизнь» Матюшин так описывает суть нового направления: «„Зорвед“ знаменует собой физиологическую перемену прошлого способа наблюдения и влечет за собой совершенно иной способ отображения видимого» М. Матюшин. Не искусство, а жизнь // Жизнь искусства. № 20. 1923..
Практика
Установка на особую сонастройку с природой влияла на выбор сюжетной линии «Зорведа»: пейзаж в творчестве его участников был жанром номер один. С точки зрения визуального языка в искусстве членов «Зорведа» точность изображения заменяют полуабстрактные или абстрактные композиции с утекающими за границы холста органическими формами, цветовыми контрастами или мягкими градиентами.
Чем все закончилось
Итогом исследований и экспериментов членов группы «Зорвед» стал опубликованный Матюшиным в 1932 году «Справочник по цвету. Закономерность изменяемости цветовых сочетаний». После выхода в том же году постановления ЦК ВКП (б) «О перестройке литературно-художественных организаций» объединение перестало существовать.
«Уновис» («Утвердители нового искусства»)
1920–1922 годы, Витебск
Стоят (слева направо): Иван Червинко, Казимир Малевич, Ефим Рояк, Анна Каган, Николай Суетин, Лев Юдин, Евгения Магарил. Сидят (слева направо): Михаил Векслер, Вера Ермолаева, Илья Чашник, Лазарь Хидекель.
Иван Червинко, Лазарь Хидекель, Илья Чашник, Лев Юдин.
Кто придумал
Казимир Малевич, самый известный представитель русского авангарда. Живописец, оформитель футуристических книг, теоретик искусства и педагог, Малевич прошел путь от неопримитивизма к беспредметному искусству, организовав одну из самых знаковых выставок первой четверти ХХ века — «Последнюю футуристическую выставку картин „0,10“», на которой впервые показал «Черный квадрат».
Другие участники
Илья Чашник, Николай Суетин, Эль Лисицкий, Лазарь Хидекель, Вера Ермолаева, Лев Юдин, Нина Коган.
С чего все началось
В 1919 году Малевич решил отойти от живописи и посвятить себя теории. Сначала он преподает в петроградских «Свободных мастерских» («Свомас»), затем перебирается в Витебск В 1919 году Казимир Малевич начал руководить мастерской в Народном художественном училище. . Малевич стал авторитетом для большинства молодых художников — последователей супрематизма, которые вошли в организованный им «Уновис».
Теория
Супрематизм, или «новый живописный реализм», — «наивысший» стиль живописи, шагнувший дальше Сезанна, кубизма и футуризма. Это одна из основных идей Малевича, изложенная в брошюрах «От кубизма и футуризма к супрематизму» (1915) и «От Сезанна до супрематизма» (1920). Предшествующие стили, по его мысли, пытались, но не достигли того, что удалось супрематизму: сюжет и предметность побеждены — в живописи самоценны независимые форма, цвет и фактура.
Практика
«Все должно быть с супрематическими рисунками», картин для пропаганды «наивысшего» стиля недостаточно. Члены «Уновиса» решили изменить пространственно-бытовую среду города, человека. Основы супрематического формообразования, цветовых отношений и композиции используются для создания ярких декоративных паттернов. «Черный квадрат» — тиражируемый знак «Уновиса» — появляется на нарукавных повязках, в виде штампа для официальных документов группы, в эскизах росписей домов и трамваев, вывесок, текстиля, фарфора. Сочетая квадрат с другими геометрическими фигурами разных размеров и цветов, художники «удаляют целостность вещи из сознания» Цит. по: Ю. А. Грибер. Градостроительная живопись и Казимир Малевич. М., 2014. и превращают любую поверхность в фон, не имеющий границ.
Чем все закончилось
Всеохватность «Уновиса» пугала витебские власти, и объединение вытеснили из общественной жизни города. Малевич и близкие ему ученики уехали в Петроград и стали интеллектуально-творческим активом Гинхука.
«Обмоху» («Общество молодых художников»)
1919–1922 годы, Москва
Кто придумал
Создание общества инициировали студенты Первых Государственных свободных художественных мастерских театрально-декорационного направления, которое вели Георгий Якулов и Аристарх Лентулов. Единого лидера у Обмоху не было, но председателем нового объединения выбрали живописца и графика Николая Денисовского.
Другие участники
Николай Прусаков, Константин (Казимир) Медунецкий, Владимир и Георгий Стенберги, Карл Иогансон, Сергей Светлов, Александр Замошкин, Михаил Ерёмичев.
С чего все началось
Первая же коллективная выставка 1920 года привлекла внимание наркома просвещения Анатолия Луначарского: он предложил участникам работать под ведомством ИЗО Наркомпроса, оформлять массовые праздники в Москве и провинции, изготавливать агитационные плакаты. Выполнение производственных задач не помешало молодым художникам заняться творческими экспериментами.
Теория
Основой творческих поисков «Обмоху» вне утилитарных целей становится использование материалов различных цветов и фактур (металлы, дерево, стекло) и создание абстрактных комбинаций, демонстрирующих путь художников «от плоскости — к пространству» и «от скульптуры — к конструкции». Это абстрактно-техническое творчество полноценно представили на Второй весенней выставке общества в 1921 году. В этой же выставке принимал участие Родченко со своими пространственными конструкциями, а члены «Обмоху», в свою очередь, одновременно вошли в «Рабочую группу конструктивистов».
Зал с работами Карла Иогансона, Владимира и Георгия Стенбергов, Александра Родченко.
Практика
Лидеры группы Константин Медунецкий и братья Стенберг создали «цветоконструкции». Первые — «живописные» — имитировали плоский рельеф, вторые — «из материалов» — представляли собой соединения металлов разных цветов (медь, латунь, алюминий) на фактурной поверхности. Помимо этого, художники делали металлические скульптуры — конструкции линейного силуэта с изогнутыми элементами, которые свободно располагались в пространстве.
Чем все закончилось
В 1922 году состоялся последний показ беспредметных конструкций группы на организованной Стенбергами и Медунецким московской выставке «Конструктивисты».
«Рабочая группа конструктивистов Инхука»
1921–1922 годы, Москва
Кто придумал
Александр Родченко — теоретик искусства и практик широкого творческого охвата: живописец, график, создатель нового типа скульптур-конструкций, в скором времени — репрезентант советского искусства на Всемирной Парижской выставке 1925 года и фотограф. Варвара Степанова — творческий единомышленник и жена Родченко, живописец и график, творившая под псевдонимом Варст, в скором будущем — автор новаторских текстильных проектов. Алексей Ган — теоретик искусства, автор программного текста «Конструктивизм» (1922), архитектор и конструктор.
Другие участники
Константин Медунецкий, Владимир и Георгий Стенберги, Карл Иогансон.
С чего все началось
В 1921 году в московском Институте художественной культуры (Инхук) шли дискуссии о композиции и конструкции в искусстве. Самыми яркими выступающими были Ган, Родченко и Степанова. В их программных текстах и докладах впервые появляются термины «конструктивизм» и «конструктивист». Создатели нового стиля называют себя художниками-конструкторами, или конструктивистами.
Теория
Одна линия искусства — эстетическое творчество, изображение действительности; другая — поиск целесообразных художественных форм для «общественного переустроения». Выбрав второй путь, «Рабочая группа» экспериментировала с плоскостью, объемом, цветом, фактурой материалов, а также конструкцией, чтобы постепенно выйти к конструктивистской и изобретательской деятельности в предметно-бытовой среде.
Практика
Родченко создает пространственные конструкции в цикле работ «По принципу одинаковых форм»: на листе фанеры или металла геометрической формы (круг, квадрат, шестиугольник) через равные интервалы прочерчивались уменьшающиеся к центру одинаковые фигуры, которые вырезались, вставлялись друг в друга и превращались в объемные, свободно парящие под потолком объекты. Подобные эксперименты позднее лягут в основу дизайна трансформирующейся мебели художника и его учеников во Вхутемасе — от столов до выставочных стендов. Варвара Степанова выдвигает на первый план простоту элементов и алгоритм их компоновки, сборки или монтажа — эта идея ляжет в основу будущих проектов художницы.
Чем все закончилось
Претворение конструктивистских опытов в «утилитарные производственные вещи» каждый видел
МАИ («Мастера аналитического искусства»)
1925–1932 годы, Ленинград
Кто придумал
Павел Филонов — живописец, график, мастер книжной графики, педагог; участник выставок петербургского «Союза молодежи» (1910–1914), чьи визуальный язык и метод работы заметно отличались от творчества современников.
Другие участники
Татьяна Глебова, Алиса Порет, Павел Кондратьев, Константин Вахрамеев, Софья Закликовская, Михаил Цыбасов, Алевтина Мордвинова, Ксения Ливчак.
С чего все началось
Преподававший в ленинградском Вхутеине Павел Филонов собрал вокруг себя учеников: вместе они составили одну из самых крупных школ авангарда.
Теория
В своем творчестве «филоновцы» опирались на метод аналитического искусства, изложенный в текстах учителя: «Сделанные картины» (1914), «Декларация „Мирового расцвета“» (1923), «Идеология аналитического искусства и принцип сделанности» (1922–1923). Согласно Филонову, художник должен тренировать не «видящий», а «знающий» глаз; интересоваться не внешностью, а «атомистической», скрытой структурой вещи; с упорством двигаться от детали к целому, выращивая органически целое живописное произведение.
Практика
Упорство действительно требовалось последователям Филонова: мастер высоко ставил сам процесс работы, состоящий из множества касаний карандашом и кистью: он считал, что иначе невозможно вывести законченную и единую с точки зрения формы и цвета композицию. Для живописи МАИ характерна графичность, просвечивание скелета — рисунка сквозь пропитанную цветом поверхность холста, мозаичность, которая иллюстрирует идею движения от частного к общему, эффект пульсации живописной поверхности, вызванный наложением друг на друга мельчайших раскрашенных форм.
Члены МАИ писали портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые сцены. В круг тем входила повседневность (остросоциальная или бытовая), мифологические, библейские, литературные сюжеты (помимо живописи, один из известных образцов коллективного «аналитического искусства» МАИ — иллюстрирование финского эпоса «Калевала»).
Чем все закончилось
Официально группа прекратила существование, как и все объединения, в 1932 году; неофициально — встречи и занятия в мастерской Филонова продолжались до его смерти в 1941 году.
«Маковец»
1921–1927 годы, Москва
1-й ряд: Евгений Машкевич, Иван Завьялов, Вера Пестель, Татьяна Романович, Антон Ястржембский. 2-й ряд: Василий Чекрыгин, Лев Жегин, Николай Максимов, К. К. Кадлубинский, Николай Григорьев, Константин Зефиров, Сергей Герасимов, Александр Шевченко, Николай Чернышев, Михаил Родионов, Сергей Романович, Амфиан Решетов (Николай Барютин), неизвестный.
Кто придумал
Василий Чекрыгин — живописец, график. Он обучался в иконописной школе при Киево-Печерской лавре, а затем — в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ).
Другие участники
Николай Чернышёв, Сергей Герасимов, Лев Жегин, Вера Пестель, Антон Ястржембский, Сергей Романович, Артур Фонвизин, Александр Шевченко, Амфиан Решетов, Николай Синезубов.
С чего все началось
В «Маковце» сошлись художники, которые вместе учились в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, участвовали в различных выставках 1910-х годов, тесно сотрудничали с журналом «Млечный путь» (в 1914–1916 годах издание возглавлял и выпускал поэт и меценат Алексей Чернышёв, брат художника Николая Чернышёва; он же инициировал издание одноименного журнала «Маковец»), находились в одном артистическом сообществе поэтов, философов, живописцев и графиков.
Теория
«Мы ни с кем не боремся, мы не создаем
Практика
«Маковцы» обращались к истории, литературе и библейским сюжетам (под влиянием западноевропейского и русского романтизма и символизма); писали пустынные поэтические городские и сельские пейзажи, эмоционально-образные портреты и камерные жанровые сцены. В живописи члены «Маковца» уходили от раздробленности и стремились к синтезу всех элементов (хотя некоторые живописцы, бесспорно, испытали влияние Сезанна и Пикассо), выбирали монохромную палитру для создания ирреального, ускользающего образа, склонялись к графичности изображения (влияние средневекового религиозного искусства и русского народного лубка), балансировали на грани эскизности и законченности произведения.
Чем все закончилось
Разносторонность интересов участников и содержательно-стилистической направленности их работ привела к роспуску группы. Бывшие «маковчане» разошлись по другим объединениям, например вступили в ОМХ и «Четыре искусства». Василий Чекрыгин трагически погиб в 1922 году, за пять лет до окончательного распада объединения.
ОСТ («Общество станковистов»)
1925–1931 годы, Москва
Кто придумал
Давид Штеренберг — живописец, график; в 1907 году жил и работал в знаменитой парижской колонии художников «Улей». В поисках индивидуальной манеры экспериментировал с сезаннизмом, фовизмом, кубизмом и вышел к примитивизму. В советские годы — педагог Вхутемаса и активный деятель искусств.
Другие участники
Александр Дейнека, Юрий Пименов, Александр Тышлер, Сергей Лучишкин, Александр Лабас, Юрий Анненков, Лазарь Вайнер, Петр Вильямс, Николай Денисовский, Самуил Адливанкин.
С чего все началось
Выпускникам Вхутемаса, учившимся у Штеренберга, у основоположников беспредметного искусства и конструктивизма Кандинского, Малевича, Клюна, Татлина, Родченко и наглядно изучавшим их идеи в московском Музее живописной культуры, претил «традиционный реализм» Ассоциации художников революционной России (АХРР, позже — АХР) Творчество АХХР вырастает из идеи возвращения к передвижнической традиции: сюжеты картин ахровцев охватывали героические, остросоциальные и бытовые темы. Закономерный выбор стилистической линии — реализм — также был сделан с оглядкой на искусство передвижников.. Но и развивать абстрактное искусство или уходить из живописи в предметно-бытовую среду молодые художники не собирались Несмотря на это, Лучишкин, Тышлер и Лабас в 1921–1924 годах были членами группы «Метод», основанной Соломоном Никритиным, создателем экспериментального авангардного направления — проекционизма. Подробнее об этом — в лекции.. Возникла необходимость нового подхода.
Теория
Возрождение станковой картины, не похожей на живопись ахровцев, — вот к чему стремились остовцы. В уставе общества художники расписали требования для ее создания: никакого передвижничества в сюжетах ( то есть литературно-исторических аллюзий) — только «революционная современность и ясность в выборе», никакого псевдосезаннизма (очевидно, камень в сторону ОМХ) и эскизности — только законченная картина с точки зрения содержания, формы и цвета. Главное для членов ОСТа — «стремление к абсолютному мастерству в области предметной станковой живописи… в процессе дальнейшего развития формальных достижений последних лет» Цит. по: Золотой век художественных объединений в России и СССР. 1820–1932. СПб., 1992.
Практика
Сюжеты, которые определяли тематические пристрастия членов группы, — индустриализация, спорт, достижения машиностроения и авиации, техническая мощь и наэлектризованная динамическая жизнь Советской страны, фантазии на тему города будущего, то есть «революционная современность». Что касается живописного языка, на творчество большинства членов ОСТа оказала заметное влияние эстетика конструктивизма: отсюда силуэтная четкость изображения, монтажный характер построения композиции, игра с ракурсами (Дейнека, Пименов, Лучишкин, Вильямс). Однако некоторые участники группы сохраняли легкость и эскизный характер изображения (Лабас), ирреальность, метафоричность образов (Тышлер), противоречащие творческому методу ОСта.
Чем все закончилось
В 1931 году споры о содержании и стилистическом единстве поставили существование группы под угрозу. Правда, после ухода бывшие остовцы продолжали общение с единомышленниками и создавали новые группы — с тем же названием (Штеренберг, Лабас, Тышлер) или другим («Изобригада» Лучишкина, Пименова, Вильямса). Судьбу всех подобных инициатив решил 1932 год.
«Круг художников»
1926–1932 годы, Ленинград
Верхний ряд: Абрам Малахин, Александр Самохвалов, Алексей Пахомов, Яков Шур, Владимир Денисов, Давид Загоскин, Михаил Вербов, Александр Русаков, Татьяна Гернет, Петр Осолодков, Леонид Каратеев, Владимир Малагис. Второй ряд: Мария Федоричева, Галина Пьянкова, Татьяна Купервассер-Русакова, Ника Иванова-Ленинградская, Наум Могилевский. Нижний ряд: Георгий Траугот, Сергей Чугунов, Григорий Иванов, Вячеслав Пакулин, Ерухим Забровский.
Кто придумал
Вячеслав Пакулин — живописец, график, художник театра; ученик Владимира Лебедева Владимир Лебедев (1891–1967) — живописец, график, иллюстратор, основатель ленинградской школы книжной графики.), Алексей Пахомов (живописец, график, иллюстратор детских книг; как и Пакулин, ученик Владимира Лебедева).
Другие участники
Александр Самохвалов, Давид Загоскин, Алиса Порет, Георгий Траугот, Александр Русаков, Татьяна Купервассер-Русакова, Владимир Малагис, Александр Ведерников, Лев Британишский, Грета Неменова, Израиль Лизак, Алексей Почтенный.
С чего все началось
После выпуска из ленинградского Вхутеина молодые художники-однокурсники, которые восхищались искусством новаторов старшего поколения и посещали лекции Татлина и Малевича в Музее художественной культуры (затем оба они преподавали в Гинхуке), решили официально зарегистрироваться как группа.
Теория
Круг часто сравнивают с ОСТом, потому что, как и участники московского объединения, круговцы надеялись «выковать основы тематического и формального решения современной картины» Ежегодник литературы и искусства. М., 1929., а также отразить «наиболее существенные явления современности» Там же.. Пафос установок не отменял появления в их творчестве натюрмортов, отвлеченных лирических мотивов в пейзажах и портретах. Что касается поисков визуального языка, ленинградские художники находились под влиянием учителей (Малевича, Петрова-Водкина), новейшей французской живописи (в особенности Сезанна и Пикассо) и монументального искусства (Древней Руси, итальянского Возрождения).
Практика
«Круговцев» интересовали фабрично-заводской труд, спорт и революционные праздники, но в искусстве многих художников встречалась крестьянская тематика, а изображения урбанистического характера с машинами, поездами и дирижаблями разбавляли спокойные ленинградские и пригородные пейзажи. Не ушел на второй план и портретный жанр, в котором члены группы стремились к созданию узнаваемых типажей. Для живописи «Круга» характерна монохромная палитра с локальными цветовыми акцентами или работа с двумя-тремя яркими красками (чаще с синей, красной, желтой); лепка форм цветом (отсюда скульптурность портретов, геометричность пейзажей), преувеличение деталей (чаще частей тела) — прием, который порывает с ограниченностью холста и придает станковой картине тяжесть, монументальность.
Чем все закончилось
В 1932 году, когда было принято постановление «О перестройке литературно-художественных организаций», состоялось последнее коллективное выступление «круговцев» на выставке «Художники РСФСР за XV лет» в Русском музее, и движение перестало существовать.
ОМХ («Общество московских художников»)
1927–1932 годы, Москва
Кто придумал
Аристарх Лентулов — живописец, художник театра, педагог; в 1910-х — активный участник авангардного объединения «Бубновый валет».
Другие участники
Игорь Грабарь, Сергей Герасимов, Александр Древин, Александр Куприн, Александр Осмёркин, Роберт Фальк, Артур Фонвизин, Сергей Романович, Петр Кончаловский, Илья Машков, Василий Рождественский, Надежда Удальцова.
С чего все началось
Бывшие участники групп «Московские живописцы» (создана «бубновалетовцами»), «Маковец» и «Бытие» (выпускники Вхутемаса) объединили усилия для продвижения своего видения развития искусства.
Теория
Как и работавший в то же время ОСТ, «Общество московских художников» выступало за развитие профессионального станкового искусства, не разделяя передвижничество и статический характер изображения лица, объекта, явления. Между тем члены ОМХа видели свое принципиальное отличие от ОСТа в отказе от «графического уклона» в живописи, главенства урбанистической тематики и картины как таковой. Делать искусство более понятным народу художники собирались через плакаты и лубки на темы политики и производственного труда, оформление праздников, монументальные росписи.
Практика
Очевидно, для отражения «идей советской современности» обращение художников «Общества» к другим видам искусства было необходимо: так они освобождали живопись от советской тематики и оставались в рамках натюрморта и пейзажа — жанров, не столь востребованных для тенденции фиксировать живую советскую современность. Критическое отношение к графичности в живописи закономерно, если помнить об авангардном прошлом большинства художников — последователей Сезанна в работе с цветом и формой. Что касается выбора стилистической линии, единства внутри группы не было: внутри ОМХа мирно соседствовали импрессионистическое творчество Грабаря, близкая экспрессионизму манера Древина, сезаннизм Машкова, Фалька, Рождественского.
Чем все закончилось
Как и прочие группы, дотянувшие до 1930-х годов, ОМХ прекратило деятельность после постановления 1932 года. Часть художников перешли в АХР. Лентулов продолжил начатый им в середине 1910-х годов путь художника театра и развивал советское театрально-декорационное искусство.
«Четыре искусства»
1924–1931 годы, Москва, Ленинград
Кто придумал
Павел Кузнецов — живописец, график, сценограф; в прошлом член и экспонент объединения «Мир искусства», сооснователь и активный участник символистской группы «Голубая роза».
Другие участники
Художники старшего поколения, ранее входившие в объединения «Мир искусства» и «Голубая роза»: живописцы Кузьма Петров-Водкин, Мартирос Сарьян, Петр Уткин, Николай Ульянов; скульпторы Александр Матвеев, Иван Ефимов; графики Анна Остроумова-Лебедева, Владимир Фаворский, Владимир Лебедев, Николай Купреянов; архитекторы Иван Жолтовский, Алексей Щусев, Владимир Щуко.
С чего все началось
Общество объединяло представителей четырех видов пластических искусств: живописи, скульптуры, графики, архитектуры. Художники, имевшие за плечами большой профессиональный опыт и выставочную историю, решили объединиться для «содействия росту художественного мастерства и культуры изобразительных искусств» Из устава объединения. Цит. по Ежегодник литературы и искусства. М., 1929..
Теория
Каждый из мастеров «Четырех искусств» имел свои тематические предпочтения, но члены группы настаивали на том, что их картины выделяются не сюжетами (критики отмечали оторванность картин художников от реальной советской действительности), а художественной формой, и ставили задачей пробуждение эстетических чувств зрителя. «…Сюжет является лишь предлогом к творческому превращению материала в художественную форму» Там же.. Мастера «Четырех искусств» использовали термин «живописный реализм», акцентируя первостепенность формально-колористических задач современной живописи («новым живописным реализмом» Малевич называл супрематизм, который освободил искусство от сюжета и дал дорогу чистому цвету, геометрической фигуре, фактуре).
Практика
Выделить общие черты творчества художников «Четырех искусств» с точки зрения сюжета и визуального языка современникам было непросто. Внимание привлекали индивидуальности: например, Петров-Водкин, чьи картины иллюстрировали тезис о сюжете как поводе для претворения материала в форму; Мартирос Сарьян, который, подхватив реалистические тенденции 1920-х годов, сохранял верность декоративной яркой живописи, близкой фовизму; Павел Кузнецов, трактовавший актуальные темы сельскохозяйственных работ в духе индивидуальной ранней «голуборозовской» стилистики.
Чем все закончилось
В 1931 году под давлением критики и обвинений в «буржуазности», «социальной пассивности», пристрастии к «упадочным и регрессирующим формам западноевропейского искусства» «Художественная контрабанда, или Кого и как обслуживают „4 искусства“» (журнал «Искусство в массы», 1930, № 4. С. 10–12). общество самостоятельно распустилось. Некоторые участники вступили в Ассоциацию художников революции.
