Русский авангард

Конспект

В начале 1910-х годов художники, которых мы называем авангардистами, называли себя футуристами, алогистами, супрематистами. Термин «авангард» — из военной терминологии: авангард — это отряд, идущий впереди. Так что, строго говоря, авангард присутствовал в искусстве всех времен.

Началом русского авангарда принято считать 1907 год — это дата образования группы «Голубая роза», хотя она и не была авангардной: в нее входили художники-символисты — Борисов-Мусатов, Павел Кузнецов и другие. Но уже в системе их работы и идеях были зачатки авангарда. Конец авангарда тоже можно определить точно: 1932-й, когда в СССР все художественные организации, объединения и группы были ликвидированы или согнаны в Союз художников.

Главное в авангарде то, что он отказался от подражания действительности и стал создавать новую, свою. Тем самым открыв массу вещей, которые теперь нам кажутся естественными: дизайн вещей, одежды, новую архитектуру.

Одним из корней авангарда было творчески переработанное западное искусство. Прежде всего итальянских футуристов во главе с Филиппо Маринетти, уделявших внимание главным образом изображению движения. Другой источник — французская живопись, которой много было в московских коллекциях Щукина и Морозова, с ее пониманием тонкости, любовью к цвету.

Еще один — народное искусство, которое авангардисты ценили за непосредственность: они собирали картинки, изделия, детские рисуночки, куколок, стараясь перенимать эту открытость, простоту, естественность. То же с городской культурой — они пользовались приемами вывесок начала века, подражая простоте цвета, грубым движениям кисти, тем, как вывески привлекали внимание публики.

Одним из главных орудий авангардистов был манифест, объясняющий позиции художников. Второе важное понятие — жест, своего рода произведение искусства, всегда сопровождающее его. Это, например, яркие одежды или раскраска лица; всевозможный эпатаж, задевающий и сбивающий с толку публику, оскорбляющий мещанский вкус.

В 80-е годы советская власть решила продвигать авангард как революционное искусство, предсказавшее ее и помогавшее ей, что было враньем: искусство авангарда, революционное по своей сути, не совпадало ни с социальной, ни с политической революцией. Его идеи были утопическими, и социальная эпоха, которая наступила за ним, заставила его замолчать.  

Конспект

Первое зарегистрированное в России общество современного искусства — «Союз молодежи» — появилось в Петербурге в 1909 году (первая выставка прошла в 1910 году), среди засилья академического искуства. Оно и само еще имело сильные связи с эстетикой мирискуссников, аристократизма, сдержанности и таинственности. Это была типичная тихая, утонченная, северная, петербургская культура, ориентированная на европейский вкус. Основателем был художник-любитель Николай Кульбин, генерал, служивший в Адмиралтействе, среди его участников — Михаил Матюшин, Елена Гуро. Финансировал союз, издание каталогов, устройство выставок происходивший из купеческой семьи Левкий Жевержеев.

В Москве в 1910 году образовался свой союз нового искусства — со странным по тем временам карточным, воровским названием «Бубновый валет». Москвичи Кончаловский, Машков и Ларионов, которые стояли в основании этого общества, бросали вызов буржуазному вкусу. И были совершенной противоположностью «Союзу молодежи». Художники «Бубнового валета» любили ясность без потайного смысла, яркую краску, грубую форму, большой размер картин. Они подражали народной росписи, включали в свои натюрморты народные игрушки или украшения. Эти два объединения существовали параллельно.

В начале «Бубнового валета» важную роль играл Михаил Ларионов, но он рассорился с коллегами после первой же выставки, обвиняя Машкова с Кончаловским в подражательстве французской живописи, в то время как сам черпал вдохновение в народном искусстве. Он образовал свою группу, устроил в Москве несколько футуристических и очень эпатажных выставок с вызывающими названиями «Ослиный хвост», «Мишень» или просто «Номер 4», сказав новые слова в авангарде.

В 1915 году Ларионов и Гончарова уезжают в Швейцарию по приглашению Дягилева делать декорации к спектаклям, и их дальнейшая жизнь уже проходила за границей, что стало для них большой трагедией — это оторвало их от почвы, от народной стихии, которая их питала.  

Конспект

* К сожалению, мы допустили в видео к лекции ошибку, перепутав местами подписи к двум картинам Казимира Малевича: на самом деле на отметке 03:55 показана картина «Туалет­ная шкатулка», а вот картину «Станция без остановки. Кунцево» можно увидеть на отметке 04:01.

Одним из знаменитых эпатажных актов Малевича была прогулка 1 марта 1914 года по Кузнецкому Мосту, месту традиционного променада буржуазной публики, с красной деревянной ложкой в петлице пиджака. Это был жест, заявляющий о совершенно новом явлении.

Малевич называл свой тогдашний стиль живописи «алогизм», объясняя его протестом против мещанской логики и обывателей. Он соединял несовместимые друг с другом предметы, как, например, в картине «Композиция с Джокондой (Частичное затмение в Москве)», состоявшей из репродукции «Джоконды» Леонардо да Винчи, грубо перечеркнутой черным цветом, и приклеенного газетного объявления о продаже квартиры; или в картине «Корова и скрипка», написанной на полке этажерки. Таким образом он бросал вызов всем понятиям о красоте, ценности произведений искусства, о всех принципах художественного творчества.

Алогизм был для авангардистов ступенью, которая позволила заниматься более серьезными вещами, вроде исследований цветовой плоскости, линий, их соотношения друг с другом, — то есть выйти уже в чисто художественную сферу и не быть зависимыми от традиционных жанров.

Параллельно с алогизмом в живописи в поэзии развивается такое явление, как «заумь». Художники же часто были и поэтами.

Принцип заумной поэзии — соединение в поэтические строки слов, лишенных логики и рифмы, но не лишенных ритма. Этот метод позволял поэтам выявить самую суть слова, звука, заострить внимание на изображении буквы или слова, так же как художники-беспредметники заостряли внимание на цвете и форме. Таким образом, и те и другие входили в глубинную основу речи, звука, цвета и изображения, преодолевая академическую замыленность взгляда художников.

Также они занимались звуками: в частности, у Кандинского была целая теория соответствия цвета и звука. Вообще художники того времени хотели создать синтетическое искусство, соединить вместе различные искусства.  

Конспект

Первым появлением супрематизма на общественном горизонте можно считать выставку современного декоративного искусства «Вербовка», которая открылась в декабре 1917 года в Москве. Устроитель выставки, художница Наталья Давыдова, организовала в украинском селе Вербовка производство вышивок по эскизам авангардистов. Посетителям были представлены сумки, подушки, шарфы, платочки с супрематическими вышивками.

Supremus значит «превосходство», так сказать, высший стиль. Супрематизм — стиль живописи, изобретенный Казимиром Малевичем. Впервые он заявил о нем на выставке коллеги Ивана Пуни. Пуни случайно увидел, как Малевич рисует в своей мастерской «Черный квадрат» и другие супрематические композиции, и Малевичу ничего не оставалось, как срочно предъявить его обществу: элемент соперничества, первооткрывательства чрезвычайно важен в русском авангарде.

Действительно, Малевич стал главным на этой выставке: он повесил свой «Квадрат» в так называемом красном углу — месте, где обычно в деревенских домах висели иконы, — и назвал картину иконой своего времени. Естественно, он не подразумевал никакого оскорбления традиционной религии; он создавал новую, иконой которой и стал «Черный квадрат». Он описывал новый стиль так: «...Считая кубофутуризм выполнившим свои задания, я перехожу к новому живописному реализму, беспредметному творчеству».

Супрематизм Малевича просуществовал до 1918 года, когда он решил больше не заниматься живописью и перешел к теории. Он уехал в Витебск и занялся преподаванием, организовав школу современного искусства и одновременно вытеснив из витебских художественных кругов Шагала. Из этой школы вышли многие хорошие художники — Николай Суетин, Илья Чашник, Анна Лепор­ская, Константин Рождественский.

Уже в конце 20-х годов Малевич возвращается к фигуративной живописи, к народному искусству, а заканчивает попыткой вернуться к реализму. Одна из его последних работ — автопортрет, представляющий его человеком Возрождения.  

Конспект

В европейском искусстве есть понятие «абстрактное искусство». В русском авангарде то же самое принято называть беспредметной живописью. Это очень характерное ментальное различие: в первом случае рациональное понимание какой-то идеи, во втором — отсутствие предмета.

Кроме супрематизма в русском авангарде были и другие направления поиска беспредметности. Например, лучизм, придуманный Михаилом Ларионовым в 1912 году. Ларионов объяснял лучизм научно, с помощью рентгенографии: от каждого предмета исходят некие лучи, которые воспринимаются нашим зрением, эти лучи и строят изображение; сначала у него были «Лучистая скумбрия», «Лучистый петух», лучистые натюрморты, а потом и вовсе беспредметные «Коричнево-желтый лучизм» или «Розовый лучизм». (Однако Ларионов французского периода уже не вспоминал о лучизме.)

Другой образец русской беспредметности — это абстракции Кандинского. Хотя абстракцией занимались и до него, у Кандинского она стала самоцелью. Он принадлежит к так называемой эмоциональной абстракции, где в центре — поиск чувства, ощущения, эмоции. Его произведения музыкальны, хотя и беззвучны — он много занимался теорией о соотношении цвета и звука. Его исскуство более иррационально по сравнению, скажем, с искусством Малевича.

Еще одна важная художница — подруга Ларионова Наталья Гончарова — со своей стороны подходила к черте «беспредметности» (например, в картине «Пустота» 1913 года), но сразу после этого вернулась к театру и примити­вистским картинам.

Когда произошла революция, русские авангардисты активно включились в общественную жизнь и мечтали выстроить новую систему отношений государства и искусства, такую, где искусство играло бы важную роль. Вплоть до 20-х годов они боролись за эту утопическую идею, активно участвуя во всех художественных и общественно-политических событиях страны, устраивая музеи современного искусства, школы современной живописи и так далее. Благодаря просветительской деятельности авангардистов по городам страны рассылались произведения искусства, чтобы молодые художники могли на них учиться абстракции, а провинциальные музеи имели хорошие образцы авангарда.