История венгерского искусства в 16 произведениях

1. Первая Мадонна из Топореца. Неизвестный скульптор, 1340–1350 годы

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Это одна из самых ценных из немногих сохранившихся до наших дней средневековых венгерских скульптур. Ее нашел в начале XX века в Топореце  Сейчас это территория Словакии.писатель и фотограф Корнель Дивальд. Сам он называл себя детективом-искусствоведом, друзья дразнили его «перевозчиком святых»: Дивальд объезжал Верхнюю Венгрию  Сейчас это территория Словакии и наносил на карту средневековые памятники и их фрагменты, фотографировал и описывал храмы, осматривал чердаки и подвалы — все, что казалось ему ценным и способным выдержать дорогу, он перевозил в города и передавал в музеи.

Приземистая, слегка изогнутая, как готическая буква S, фигура Марии напоминает каменную Мадонну аббатства Фонтене  Аббатство Фонтене — один из старейших и хорошо сохранившихся монастырей ордена цистерцианцев во Франции. Внутри монастырской церкви есть статуя XII века — дева Мария с младенцем. — этот французский образ пришел в Венгерское королевство через Австрию. Черты, которые придал лицу Мадонны из Топореца мастер, произвели на его коллег-резчиков огромное впечатление, и в Верхней Венгрии стали появляться фигуры, сделанные по ее подобию.

Мастерство скульптора видно не только в том, как вырезана тонкая вуаль и ниспадающие складки плаща Марии, — ему удалось, повернув младенца к матери, создать ощущение, что они существуют в своем собственном, отдельном мире. И хотя младенец больше похож на взрослого человека, он не выглядит безжизненным — динамику его фигурке придают скрещенные ножки. К сожалению, мы не знаем, как выглядели его руки — как и руки Марии, они были вырезаны отдельно и крепились с помощью болтов, которые со временем были утеряны. По традиции XIV века маленький Иисус одет в рубашку — обнаженными младенцев начнут изображать в Центральной Европе лишь через 100 лет.

У скульптуры была тайна — она оживала во время службы  Такие скульптуры называют действующими.. Головка Иисуса, вырезанная отдельно от туловища, с помощью шнура приводилась в движение человеком, который прятался за фигурой. Казалось, что ребенок смотрит то на мать, то на прихожан церкви. Некоторые ученые считают, что у головки Иисуса могла быть и отдельная функция: ее снимали и относили в дом роженицы — чтобы помочь ребенку появиться на свет.

2. Встреча Марии и Елисаветы. Мастер MS, 1506 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Мастер MS — самый загадочный художник венгерской истории искусств, про него неизвестно практически ничего, только инициалы, которыми он подписывал свои работы. Их сохранилось всего семь, и все они — части одного створчатого полиптиха, главного алтаря церкви Святой Екатерины в городе Шелмецбанья  Теперь это словацкий город Банска-Штьявница.. Сейчас створки полиптиха находятся в венгерских и французских музеях, а одна — в словацкой церкви  Кроме «Встречи Марии и Елисаветы», которая находится в Венгерской национальной галерее в Будапеште, можно увидеть такие картины мастера MS: «Поклонение волхвов» во Дворце изящных искусств в Лилле во Франции, «Рождение Иисуса» в церкви Святого Антония в деревне Сентантал в Центральной Словакии, «Иисус на Масляничной горе», «Несение креста», «Распятие» и «Воскресение» в Христианском музее в Эстергоме в Венгрии.. 

«Встреча Марии и Елисаветы» — символ Венгерской национальной галереи и самый известный из фрагментов венгерских створчатых алтарей XV–XVI веков. Это произведение относят к позднеготической живописи, однако в нем чувствуется влияние Ренессанса — как северного, так и южного: даже если сам мастер и не бывал в Италии, он определенно видел гравюры Андреа Мантеньи  Андреа Мантенья (1431–1506) — итальянский художник раннего Возрождения, отличитель­ной чертой творчества которого считается жесткая, почти графичная манера живописи..

Судя по надписи, оставленной мастером, работа была закончена в 1506 году. Сюжет не полностью соответствует тексту Евангелия — Мария и Елисавета встречаются не в доме Захарии  Захария — муж Елисаветы, отец Иоанна Крестителя. Согласно Евангелию от Луки, Мария отправилась из Назарета навестить Елисавету после Благовещения и прожила в доме Захарии почти три месяца., а на цветочном лугу. Пейзаж с непропорцио­нально большими цветами далек от идиллии — ирис и земляника символизи­руют Страсти Христовы и материнскую боль Марии. Мастер MS добавил ирису воздушные корни — как знак утешения  Из корней ириса готовили лекарства и бальзамы., а сам ирис напоминает работы Альбрехта Дюрера: венгерские искусствоведы предполагают, что художники какое-то время могли работать в одной мастерской. 

Еще один символ грядущих страданий Иисуса — неприступные скалы и скрюченные ветви деревьев. Да и лица будущих матерей нельзя назвать счастливыми, а их красота не соответствует идеалам эпохи — лица должны были быть с правильными чертами и без выражения, разрешалась разве что полуулыбка. Скорее всего, MS нарисовал реальных людей — искусствоведам удалось установить, что Елисавета была написана с жены одного из заказчиков полиптиха, старейшины церкви. На втором плане, за изящными, словно парящими фигурами Марии и Елисаветы, открывается мир, созданный из реальных деталей: дом на горе, мастерская по выделке кожи, крепость, похожая на замок Шелмецбаньи, спешащие на ярмарку торговцы и идущий в город по мосту артист с медведем.

Неизвестно, когда и почему был разобран полиптих, возможно, это произошло из-за приближающейся турецкой угрозы  Османская империя напала на Венгрию в 1521 году. И с 1526 года, с поражения при Мохаче, до 1686 года многие венгерские земли были частью Османской империи.. В конце XIX века «Встреча Марии и Елисаветы» была найдена на чердаке церкви деревни Топатак  Теперь это Бански-Студенец, Словакия., в пяти километрах от Шелмецбаньи. Сколько она там пролежала, неизвестно, но впоследствии реставраторы, удалив слой копоти и пыли, определили, что она не была перекрашена в эпоху барокко  Часто в XVII–XVIII веках картины переписы­вали — обновляли платья по моде или по каким-то другим соображениям: напри­мер, не принято было явно показывать женщин в положении, поэтому их закрывали широкими плащами., то есть в церковь, судя по всему, не возвращалась. Плотник, нашедший картину, присвоил ее и заложил в ломбард, откуда в 1902 году «Встречу Марии и Елисаветы» выкупил Музей изобразительных искусств.

3. Портрет Ференца Ракоци II. Адам Маньоки, 1712 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Адам Маньоки — самый знаменитый венгерский художник эпохи барокко. У него необычная биография — этот мальчик из деревни на севере Венгрии был настолько талантлив, что, несмотря на свое бедное происхождение, получил художественное образование и уже к 19 годам стал самостоятельным художником-портретистом в саксонском Люнебурге. Слава его росла, и все чаще у него появлялись заказы в домах немецких аристократов. В 1707 году в Берлине Маньоки встретился с Шарлоттой Амалией, женой Ференца II Ракоци, князя Трансильвании, возглавившего борьбу венгров против Габсбургов  После поражения в 1526 году в битве при Мохаче, которую венгерская армия проиграла османам, Венгерское королевство оказалось разделенным на три части. Центральная часть перешла под власть султана. Северная часть стала Королевской Венгрией под властью династии Габсбургов. Третья часть обособилась и образовала Трансильванское княжество, признавшее вассальную зависимость от Османской империи. Когда турки были наконец изгнаны, Габсбурги решили оставить венгерские земли под своей властью. Ференц II Ракоци, воспользовавшись тем, что Габсбурги заняты войной за испанское наследство, поднял восстание, но оно было подавлено.. По совету жены князь назначил Маньоки придворным художником — глава куруцев  Так в Венгрии называли вооруженных антигабсбургских повстанцев, борцов за независимость. хотел занять достойное место в ряду европейских монархов, и без собственного портретиста ему было не обойтись. Но Маньоки не только писал Ракоци — он рисовал эскизы для пропагандис­тских литографий и памятных монет, которые чеканил князь, и даже выполнял его тайные дипломатические поручения в Европе.

Свой самый знаменитый портрет Ференца Ракоци художник написал в 1712 году в Гданьске — борьба за независимость была проиграна, и князь вынужден был уехать из Венгрии. Это уже не парадный, а частный портрет — перед нами опальный князь в костюме венгерского аристократа с орденом Золотого руна  Орден Золотого руна — знак светского рыцарского ордена, основанного в 1430 году герцогом Бургундии Филиппом III Добрым. Одна из самых почетных династических наград Европы., без регалий главы государства. Картина была подарена польскому королю и саксонскому курфюрсту Августу Сильному, в 1728 году она уже числилась в дрезденской королевской коллекции, где и пролежала в безвестности более 150 лет.

В 1893 году портрет Ракоци был совершенно случайно обнаружен молодым венгерским искусствоведом Шандором Няри (Зоммером), который искал в Дрездене работы совсем другого художника. Няри сфотографировал картину и написал о своей находке статью в газету. Черно-белый снимок увидел коллекционер и меценат Марцелл Немеш, который решил во что бы то ни стало вернуть картину в Венгрию. Много лет он вел переговоры с директором Дрезденской галереи и в 1919 году даже предлагал обменять Маньоки на Эдуарда Мане. Обмен не состоялся, но через несколько лет Немешу все же удалось приобрести портрет Ракоци, и он лично привез картину в Будапешт. Встречали ее торжественно — она была передана в Музей изобразительных искусств в присутствии правителя Венгерского королевства Миклоша Хорти  После низложения последнего венгерского короля Карла IV в 1921 году Венгрия оставалась королевством, но престол был вакантен. Хорти был регентом Венгерского королевства в 1920–1944 годах., а в парламенте министр культуры прочел благодарственную речь. С тех пор «Портрет Ференца II Ракоци» кисти Адама Маньоки считается венгерской национальной реликвией.

4. Пастушка, или Рождение прекрасных искусств. Иштван Ференци, 1820–1822 годы

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Иштван Ференци родился в 1792 году в одном из самых древних венгерских ремесленнических городов Римасомбате  Теперь это Римавска-Собота, Словакия., славившемся своими мастерами кузнечных и слесарных дел. Ференци с детства работал в мастерской отца, затем учился рисунку в Буде, искусству гравировки — в Вене, но хотел заниматься скульптурой, причем под руководством Антонио Кановы  Антонио Канова (1757–1822) — итальянский скульптор, представитель неоклассицизма. — после того как Ференци увидел его надгробие Марии Кристины  Надгробие эрцгерцогини Австрийской Марии Кристины создано Антонио Кановой в 1805 году и установлено в церкви Святого Августина в Вене., он мечтал только о Риме. В 1818 году он отправился в Италию пешком и через месяц предстал перед Кановой. Тот выслушал молодого венгра, но в ученики не взял, а напра­вил к своему более молодому коллеге и сопернику Бертелю Торвальдсену. Судя по всему, Ференци не обиделся и продолжал восхищаться Кановой, работая у Торвальдсена: в его мраморной «Пастушке» чувствуется влияние обоих представителей неоклассицизма.

Иштван Ференци закончил эту скульптуру в 1822 году и назвал ее «Рождение прекрасных искусств». Вдохновила Ференци античная легенда: дочь гончара Бутада, узнав, что ее возлюбленный покидает Коринф и отправляется в воен­ный поход, нарисовала его профиль на стене дома, чтобы образ юноши навсегда остался с ней, и так появилось изобразительное искусство. Героиня Ференци рисует образ любимого не на стене, а на земле — присев, немного развернувшись, как бы изучая модель. Поза довольно неудобная — кажется, что девушка вот-вот выпрямится, и это придает скульптуре динамику. 

Свою работу Ференци посвятил палатину  Палатин — вице-король, высшая после короля государственная должность в Венгерском королевстве. Венгрии Иосифу Австрийскому (именно он дал скульптору государственную стипендию на обучение у Торвальдсена) и отправил на родину — в дар венгерскому народу. Чтобы девушка не путешествовала одна, Ференци снарядил ей попутчика — мраморный бюст венгерского поэта эпохи Просвещения Михая Чоконаи  Сейчас он находится в Дебрецене, в Реформатcком колледже..

Уже в Венгрии скульптура «Рождение прекрасных искусств» получила второе имя — «Пастушка», скорее всего, из-за рожка за спиной у девушки. А третье имя «Графидион», то есть «Рисовальщица», ей дал Ференц Казинци, поэт, писатель, реформатор венгерского языка и литературы. Он посвятил ей оду, причем еще до того, как увидел вживую: скульптуру на родине очень ждали. Казинци обращается к ней так: «Девушка, вот он! И ты, улыбаясь, смотришь, как верно песок передал его лик. Скажи же, кто вел твою руку? Чей шепот вдохнул в тебя смелость?»  Перевод Марии Николаевой.

Иштван Ференци остался в истории искусства не только как скульптор — за шесть лет, прожитых в Риме, он собрал целую коллекцию небольших бронзовых фигур, которые принимал за произведения античной эпохи. Одна из них, «Всадник», стала знаменитой — она считается единственной дошедшей до нас скульптурой, сделанной по эскизам Леонардо да Винчи при его жизни (а возможно, и им самим).

5. Печальный пастух. Миклош Ижо, 1862 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

У Миклоша Ижо была мятежная юность — он участвовал в венгерском восстании 1848-1849 годов  Целью восстания против Габсбургов (или Венгерской революции) 1848-1849 годов было создание венгерского государства, независимого от Австрийской империи. А его непосредственной причиной стало решение австрийского императора отправить венгерских солдат для подавления революции в Италии., был ранен, скрывался сначала в горах, а потом в городе Римасомбат  Теперь Римавска-Собота, Словакия, где шесть лет работал подмастерьем у резчика по камню. Там же Ижо встретился со скульптором Иштваном Ференци, который согласился взять его в ученики. После смерти учителя Миклош Ижо отправился в Пешт, потом через год в Вену, а затем записался в мюнхенскую художественную академию. Именно в Мюнхене, был создан первый вариант «Пастуха» — гипсовый, а затем, по заказу Михая Гшвиндта, одного из самых богатых промышленников Венгрии, — мраморный. Получив «Пастуха», Гшвиндт почти сразу подарил его государственному музею.

«Пастух» произвел на критиков огромное впечатление: до Ижо вся венгерская скульптура была академической —классические образы и сюжеты, а у него впервые появились народные мотивы. Одежда «Пастуха» точно повторяет костюм жителей пусты, венгерской равнины  Пуста — степной регион на северо-востоке Венгрии. — Ижо не просто сделал свою скульптуру с живой модели, он специально изучал обычаи, привычки, жесты и традиционную одежду пастухов. Современники говорили, что Ижо изваял из мрамора поэзию Шандора Петёфи  Шандор Петёфи — поэт, один из лидеров венгерского восстания 1848—1849 годов против правления Габсбургов. и Яноша Араня  Поэт, автор патриотических стихотворений и переводчик на венгерский язык пьес Шекспира.. И все-таки Ижо, как и любой скульптор того времени, основывался на античных образцах — опираясь на посох, пастух принимает классическую позу контрапоста, то есть переносит вес на одну ногу. Именно этот классический язык скульптуры, придает работе Ижо ощущение вечности, безвременности — точно такое же, какое возникает при взгляде на древнегреческие и римские статуи. 

Критики сразу назвали «Пастуха» печальным, и это определение прижилось, хотя автор и утверждал, что никакой особой грусти в его образ не закладывал, разве что сама пастушья жизнь — одиночество, созерцание природы — может вызвать некоторую меланхолию, не более того. Сам Ижо называл своего «Пастуха» венгерским.

6. Камера смертника. Михай Мункачи, 1870 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Михай Мункачи — самый известный венгерский художник XIX века. Удивитель­ная судьба и невероятный успех производили большое впечатление на его современников, а его картины казались им необычными — благодаря битуму  Битум (земляная смола) — твердое или вязкое органическое соединение природного происхождения. Использовался в том числе для изготовления масляной краски., из-за которого они постепенно темнеют и исчезают. 

При рождении художника звали Михай Либ (имя Мункачи он взял в честь родного города), он рано остался сиротой и прошел удивительный путь — от плотницкой мастерской до собственного парижского дворца. А знаменитым Мункачи стал благодаря картине «Камера смертника», которая была представлена публике на выставке в Парижском салоне. Парижанам было трудно выговорить его имя, поэтому они называли его «венгерским Гойей» и «месье „Последний день“» — именно так на французский язык перевели название картины.

На картине приговоренного к смерти узника окружают пришедшие проститься с ним родственники и уличные зеваки. В углу камеры рыдает жена осужден­ного, его мать с ужасом отворачивается — принесенная ею Библия порвана и брошена на пол, мальчишки пришли поглазеть на преступника. Разбойничья тема, тема человека вне закона была в то время особенно популярна в Венгрии. После жестокого подавления восстания 1848–1849 годов  Восстание против Габсбургов (или Венгерская революция) 1848–1849 годов было подавлено с помощью войск Российской империи, которая увидела в росте венгерского национального самосознания угрозу своим интересам. мужчины прятались от призыва на военную службу и от возмездия Габсбургов. Многие промышля­ли грабежом богатых, что вызывало симпатию и сочувствие народа — разбой­ники становились героями, о них слагали песни и баллады.

Мункачи написал картину в Париже — он смог передать все психологические оттенки и пессимизм, свойственный венграм в то время, без венгерских натурщиков. Точно известно, что женщина с ребенком — парижская соседка Мункачи. И что сам разбойник попал на полотно предпоследним — художник очень долго не мог найти натурщика, а когда, наконец, встретил на улице подходящего человека, просто сказал ему: «Месье, у вас такое прекрасное лицо негодяя, прошу вас стать моей моделью». А последней на картине появилась маленькая девочка — картина показалась Мункачи незаконченной, и он решил добавить эту фигурку. Став знаменитым, художник называл девочку своим ангелом-хранителем и считал, что именно она принесла ему удачу. Девочка стала его фирменным знаком и кочевала потом с картины на картину.

Мункачи — автор самых разных произведений: пейзажей, портретов, салонных и жанровых сцен, религиозных картин, натюрмортов и даже росписи «Апофеоз Ренессанса» на потолке венского Музея истории искусств. Многие из них полны света, воздуха и удивительной легкости. Но в опросе, проведенном в конце 1990-х, именно «Камеру смертника» венгры назвали картиной, которая лучше всего отражает национальное самосознание.

7. Майский пикник. Пал Синеи Мерше, 1873 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Пала Синьеи-Мерше называют в Венгрии художником радости жизни. Благо­даря ему венгерская живопись догнала самые прогрессивные течения европей­ского искусства — импрессионизм, барбизонскую школу  Барбизонская школа — французская группа художников-пейзажистов, названная в честь деревни Барбизон, в которой жил художник Теодор Руссо, основавший группу., и открыла для себя пленэр  Пленэр (от фр. plein air — «открытый воздух») — способ создания картин — на природе, при естественном освещении..

«Майский пикник» с его беззаботностью, праздником гармонии был уникаль­ным и неожиданным произведением для венгерского искусства второй полови­ны XIX века, где безраздельно царил историзм. Синьеи-Мерше написал беседу­ющую, пирующую, флиртующую компанию, в которую поместил и себя — правда, спиной к зрителям. Художник говорил, что так он выразил свое отношение к критикам. Молодая женщина в белом платье — Мария Пробстнер, сестра будущей жены художника. Остальные персонажи написаны непортрет­но, но можно предположить, что рыжеволосая девушка и есть Жофия Пробстнер, за которой ухаживал Синьеи-Мерше. Их свадьба состоялась в том же 1873 году. 

Друг Пала Синьеи-Мерше, швейцарский символист Арнольд Бёклин считал, что картина слишком реалистична, и уговаривал ее переделать — написать мифологических персонажей при лунном свете. Синьеи-Мерше отказался, его интересовали ожившие на солнце краски и удивительного цвета тени. «Ну что ж, — вздохнул Бёклин, — тогда больше зелени!» Эта зелень особенно раздражила критиков: «На картине лишь салат да шпинат, а также довольно распущенная компания». Работа не имела успеха ни в Мюнхене, ни в Вене, а Национальный музей Венгрии отказался принять ее в подарок.

Все эти неудачи и нападки критиков привели к тому, что Синьеи-Мерше перестал рисовать и занялся родовым поместьем и политической карьерой. И только через 20 лет, когда время изменилось, люди уже увидели не только импрессионизм, но и постимпрессионизм  Постимпрессионизм — условное собирательное обозначение французского искусства второй половины 1880-х годов — начала XX века., Синьеи-Мерше еще раз выставил свою картину. В 1901 году «Майский пикник» получил золотую медаль на выставке в Мюнхене, в 1905-м Венгерский национальный салон организовал персональную выставку художника, и в том же году Пал Синьеи-Мерше стал директором Высшей рисовальной школы, предшественницы Венгерской академии изящных искусств. Тогда же, в начале ХХ века, пожилой мастер поехал в Париж и наконец-то смог сравнить свои картины с шедеврами Мане и Моне, независимо от которых он создал свои залитые солнцем полотна.

Художественные идеи Синьеи-Мерше подхватило и продолжило уже новое поколение — надьбанская школа, девизом молодых мастеров стал клич художника «На природу!»  В 1896 году группа венгерских художников, работавших и учившихся в Мюнхене, переехала в трансильванский городок Надьбанью, чтобы там писать на природе, уйдя от канонов академизма.. Пала Синьеи-Мерше нередко причисляют к импрессионис­там, однако правильнее говорить, что он создал основы для развития пленэрной живописи, показал магию солнечного света и свежесть красок. Сам он при этом, как ни странно, почти все свои картины написал в мастерской — по памяти.

8. Крещение Вайка. Дьюла Бенцур, 1875 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Дюла Бенцур, самый значимый представитель венгерской исторической живописи, к каждой своей картине подходил с научной точки зрения — изучал обстановку, портреты, костюмы, оружие и даже уздечки лошадей. Он настолько тщательно прорабатывал все детали, что теперь в музеях по его полотнам проводят уроки истории.

Однако «Крещение Вайка», написанное в 1875 году, нельзя назвать исторически достоверным. Вайк  Слово имеет тюркские корни и означает «герой» или «принц». — языческое имя короля Иштвана, основателя венгер­ского государства. Точная дата его крещения неизвестна, только приблизитель­ная — 994–996 годы. В соответствии с традиционными представлени­ями Бенцур изображает Иштвана сильным молодым человеком — его обнаженная спина напоминает античную статую. Крестил Иштвана пражский епископ Войтех  Позже его стали называть Святым Адальбертом., который принял мученическую смерть от прусских язычников в возрасте 42 лет. Однако на картине Бенцура изображен убеленный сединами пожилой человек  Моделью был дядя художника Йожеф Бенцур. в праздничном одеянии католических священников. За ним стоят два короля, один из которых, скорее всего, Оттон III. На нем, как на императоре Священной Римской империи, корона Карла Великого. Оттон прожил всего 21 год, а на полотне Бенцура на Иштвана смотрит мужчина лет сорока. Для того чтобы подчеркнуть значение одного из важнейших событий венгерской истории — вступление Венгрии в европейскую семью народов, — художник изобразил свидетелей крещения пожилыми, мудрыми мужчинами.

О том, что выбор западного пути для страны был непрост, говорит выражение лица и поза венгра, стоящего за мраморным бассейном. Возможно, он симво­ли­зи­рует оппозицию под предводительством Коппаня — князя из династии Арпадов, который выступал против крещения  Через несколько лет Коппаня четвертуют по приказу короля Иштвана.. В первом варианте картины, написанном в 1870 году, оппозиция была многочисленной — Бенцур нарисовал толпу, которая неодобрительно смотрела на крещение Иштвана. Но через пять лет остался только один венгр — публика хотела, чтобы в изображении исторических событий было меньше конфликтов  После многих лет борьбы Венгрия, наконец, получила больше независимости: в 1867 году было заключено соглашение, превратившее Австрийскую империю в Австро-Венгрию — конституционную монархию, которую возглавил бывший император Австрийской империи Франц Иосиф I.. 

Наиболее достоверно на картине изображено место крещения — за образец Бенцур взял боковой неф венецианского собора Святого Марка, приблизи­тельно так выглядели храмы времен короля Иштвана. Красочное, тактильное изображение бархата, парчи, золота, мрамора, цветов, сложная композиция, использование сразу нескольких источников света — все это восхищало современников Бенцура, который, как писали критики, не поддался искуше­ниям модных течений и навсегда остался верным академическому стилю. Интересно, что Дюла Бенцур и Пал Синьеи-Мерше в 1872–1873 годах работали в одной мастерской в Мюнхене — классическое, монументальное «Крещение Вайка» и революционный, возмутительно беззаботный «Майский пикник» создавались на расстоянии вытянутой руки.

9. Что будет? (Голова бродяги). Ласло Меднянски, начало 1900-х годов

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Барон Ласло Меднянски — самый одинокий художник в истории венгерского искусства. Потомок древнего дворянского рода, он учился в Мюнхене, Париже, Италии и довольно быстро прославился как пейзажист — практически в каждом богатом доме (и у аристократов, и у буржуа) висела какая-нибудь картина Меднянски. У него огромное художественное наследие — известно около 2000 работ маслом, и, как считают искусствоведы, это далеко не все. Всю свою жизнь Меднянски провел в странствиях и, переезжая из страны в страну, из города в город, оставлял свои работы — законченные картины уже не интересовали художника, и он легко с ними расставался.

В 1890-х годах у Меднянски появилась новая тема творчества — бродяги. Чтобы изучать своих героев, барон переодевался в лохмотья и бродил по Пари­жу. Его фигуры — это не портреты и не жанровая живопись. Меднянски писал в своем дневнике, что рассматривает людей как рыб в аквариуме, что хочет показать, как взгляд или жест может выразить страх или агрессию, и найти, где проходит грань, которая отделяет человека от животного. Выставка работ Меднянски в Париже имела большой успех, его даже сравнивали с Рембран­дтом, но на родине художника бродяги шокировали публику и не были приняты.

«Голова бродяги» занимает особое место в творчестве Меднянски и отличается от других произведений этой серии — лицо юноши, которое огонь выхватывает из темноты, тщательно выписано, художник явно сочувствует герою. Покрыва­ющие всю поверхность картины светящиеся желтые пятна — искры костра — как будто образуют вуаль перед лицом юноши, отдаляют его, придают картине нечто мистическое.

Это впечатление неслучайно — таинственность и мистицизм были близки художнику. С одной стороны, он был знаменит, участвовал в культурной жизни Европы, встречался с философами, искусствоведами, писателями, интересовался теософией и буддизмом, а с другой — одиноко странствовал, тщательно скрывал свою сексуальную ориентацию. Мысли о жизни и об искусстве он доверял только зашифрованному дневнику, который посвятил рано умершему возлюбленному. До сих пор удалось расшифровать лишь небольшую часть этих записок  Дневник Ласло Меднянски «Заметки 1877–1918» был издан Венгерской национальной галереей в 2003 году..

10. Купальщица. Карой Лотц, 1901 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

На могиле Кароя Лотца на будапештском кладбище Керепеши стоит памятник — самый востребованный мастер золотого века Будапешта  На рубеже XIX и XX веков Венгрия стремительно развивалась, Будапешт отстраивался — появлялись новые здания, которые украшали фресками. Многие из них были нарисованы Кароем Лотцем. за работой: в руках его кисти и мольберт, а за ним стоит полуобнаженная молодая девушка и легко касается его плеча. Это Корнелия Лотц — приемная дочь художника, которая была для него, как гласит надпись на надгробии, «идеалом, вдохновительницей, всем».

Корнелию можно встретить в Будапеште повсюду — в Парламенте, Венгерской академии наук, Базилике, Национальном музее, Опере. Она предстает то Девой Марией, то историческим персонажем, то античной богиней. А городские сплетники утверждали, что приемную дочь художника можно узнать и в обнаженных вакханках, танцовщицах и одалисках, изображенных Лотцем на стенах общественных зданий Будапешта. Но если судить по эскизам Лотца, Корнелия не позировала отчиму обнаженной. Написанные им фигуры соответствовали идеалу красоты конца XIX века и рассказывают больше о женской чувственной и возвышенной красоте, чем о конкретной девушке. 

«Купальщица» была заказана Лотцу в 1901 году для постоянной выставки Венгерского национального музея. Это одно из последних и в то же время самых типичных произведений художника. Он использует иконографию картины Энгра «Источник» и следует в композиции образцам популярных римских фресок. Конечно, с картины смотрит прекрасная Корнелия — она вдохнула жизнь в подобное статуе тело купальщицы.

11. Аноним. Миклош Лигети, 1903 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Самый активный период творчества Миклоша Лигети (Мора Лёви, как его звали при рождении) совпал с ростом, развитием и процветанием столицы Венгрии. Он учился за границей, в Париже познакомился с новаторскими скульптурными приемами и произведениями Родена, там же его заметил и пригласил в свою мастерскую Марк Антокольский  Марк Матвеевич Антокольский (1843–1902) — русский скульптор-реалист, профессор, академик Императорской Академии художеств., но молодой человек вернулся в Венгрию — Будапешт отстраивался, и ему нужны были талантливые скульпторы. 

История самой знаменитой работы Лигети «Аноним» началась в 1897 году, когда император Франц Иосиф решил подарить Будапешту 10 скульптур — по легенде, ему не понравилось, что немецкий император Вильгельм II во время визита в венгерскую столицу отметил, что в городе маловато статуй и выглядит Будапешт жалко. 

Франц Иосиф решил, что скульптуры будут изображать важных для Венгрии исторических персонажей. Одним из них должен был стать Аноним — так венгры называют безымянного нотария (писца), автора хроники «Деяния венгров» («Gesta Hungarorum»), которая описывает создание венгерского государства  Единственный экземпляр написанной на латыни хроники «Деяния венгров» конца XII — начала XIII века хранится в Венгерской государственной библиотеке им. Сечени. Автор хроники, которого принято называть Анонимом, пишет сам о себе как о писце короля Белы — по-видимому, короля Белы III (1172–1196)..

Про летописца не известно ничего, даже его имя; непонятно, на что в таком случае опираться скульптору. Миклош Лигети изучил все, что нашел в библиотеках об историке XII века, но это не помогло. Тогда он решил изобразить фигуру, закутанную в монашеский плащ, с надвинутым на лоб капюшоном — так, чтобы лицо оставалось в тени. 

На представлении проекта скульптуры разразился страшный скандал. Члены жюри критиковали и композицию со скамейкой, и то, что Лигети создал ребус вместо того, чтобы придать лицу черты типичного венгра, ведь никому не известно, как выглядел Арпад  Правитель Венгрии (IX века), основатель династии Арпадов. или святой Иштван, и все-таки у художников получается изобразить их достойно. Только один из членов жюри говорил о рождении венгерского модерна и восторгался скульптурой, но его голос не был услышан, и у Лигети потребовали сделать Анониму «венгерскую голову». Он показал новый вариант скульптуры — с головой своего современника, ученого Отто Хермана, выдающегося зоолога, археолога и этнографа. Это выглядело настолько ужасно, что жюри сразу согласилось на первый вариант. В 1903 году фигуру отлили из бронзы и торжественно преподнесли в дар Будапешту — скульптура и сейчас стоит в Городской роще в Вайдахуньяде  Замок в будапештском парке Варошлигет, построенный в 1896–1908 годах..

12. Поклонение кедрам в Ливане. Тивадар Чонтвари Костка, 1907 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Творчество Чонтвари нельзя отнести ни к одной школе, ни к одному течению, но если все же попытаться найти ему место в истории искусства, то можно сказать, что он был предвестником венгерского постимпрессионизма. Известно о художнике не так много — в основном то, что написал он сам в «Большой автобиографии», и если отбросить теории о реинкарнациях, галлюцинации и мистику, то останется история целеустремленного образованного молодого человека, который нашел свое призвание.

Тивадар Костка родился в 1853 году в Кишсебене  Сейчас Сабинов, Словакия. в семье врача-фармаколога, изучал юриспруденцию, химию, геологию, кристаллографию, минералогию, работал провизором в аптеке в городке у подножья Высоких Татр. Пока однажды не услышал голос: «Ты станешь великим художником солнечного пути, более великим, чем Рафаэль!» Сдав внаем свою процветающую аптеку, молодой человек отправился учиться живописи в Германию, потом во Фран­цию и в надьбанскую школу. Свои картины он не продавал — чтобы не разру­шать единство изобретенной им живописи солнечного пути. Чонтвари сам мешал краски — и они действительно как будто светятся изнутри. 

Чонтвари все время находился в поиске «великих мотивов», и одним из таких мотивов стал ливанский кедр — символ исключительности, жизнеспособности, а также венгерской нации, которая сумела сохранить свою самобытность, язык и культуру.

Деревья на картине «Поклонение кедрам в Ливане» соединяют землю и небо, времена и народы. Перед кедрами — хоровод девушек. Если присмотреться, можно заметить, что он похож на раскадровку мультфильма — каждое танцевальное движение продолжает предыдущее, а все девушки на одно лицо. 

О личной жизни Чонтвари почти ничего не известно, и все же мы знаем имя женщины, которая почти 10 лет появлялась на его картинах: она то скачет на лошади, то сидит в карете, то танцует, то приходит на тайное свидание. Это Айседора Дункан, выступление которой в 1902 году в Будапеште произвело на Чонтвари неизгладимое впечатление. Художник несколько лет ездил за Айседорой по городам и странам. Венгерские искусствоведы считают, что приблизительно в 1905 году между ними произошло объяснение, и танцов­щица отвергла художника (именно тогда произошел перелом в его творчестве). Картина, где Айседора танцует перед ливанскими кедрами, была написана в 1907 году, а через год балерина, которая не видела этой картины, точно так же танцевала в парижском Ботаническом саду — все-таки без мистики, рассказывая о Чонтвари, не обойтись.

13. Зорка в черном платье. Йожеф Риппл-Ронаи, 1919 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Йожеф Рипль-Ронаи начал свою художественную карьеру в студии Михая Мункачи. Он прекрасно освоил живописный стиль «под Мункачи», изготовил много копий его работ, но сам при этом интересовался постимпрессионизмом и тайно работал над собственными полотнами — Мункачи не признавал новую живопись и считал ее крайне вредной. Когда он увидел воздушные, похожие на сны картины Рипля-Ронаи, то пришел в ярость. И хотя разрыв с мастером был очень болезненным, он открыл Риплю-Ронаи новую дорогу — художник познакомился с Гогеном, Тулуз-Лотреком, Майолем, группой Наби  Наби — французская художественная группа постимпрессионистов — последователей Поля Гогена, основанная Полем Серюзье в Париже в 1888 году., в выс­тавках которой не раз принимал участие, и стал первым венгерским модер­нистом. Рипль-Ронаи даже придумал собственную технику, напоминающую пуантилизм  Пуантилизм — художественное направление, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит метод нанесения краски отдельными мазками — точками.: сделанные в этой технике работы называют «кукурузными» — мазки располагаются плотно, как зерна в кукурузном початке, а краски яркие, даже режущие глаз. 

В 1915 году 54-летний художник, к тому времени уже знаменитый, богатый и женатый, познакомился с 17-летней Эльзой Баньяи. Так начался последний период творчества Рипля-Ронаи, который длился почти до самой его смерти в 1927 году. Между гимназисткой и художником завязался роман, Рипль-Ронаи назвал свою музу Зоркой  По-сербски это значит «заря». и за 10 лет создал около 300 ее портретов: Зорка гимназистка, Зорка в шляпке, Зорка грустная, Зорка веселая, Зорка в мехах и даже Зорка — дама полусвета.

На одном из этих портретов, «Зорка в черном платье», жеманная женщина, которая вот-вот стянет с плеча одежду, смотрит на зрителя вызывающим и очень неприятным взглядом. Ее левая рука напоминает лапу хищной птицы. В год создания этого полотна у Зорки был роман — с поэтом Лёринцем Сабо. Рипль-Ронаи о романе знал, но сцен не устраивал. Всю свою боль и ревность он выразил этим портретом.

В 1925 году, после нескольких инсультов, художник вернулся в семью, а след Зорки, самой знаменитой музы современного венгерского искусства, затерялся в Бельгии, где она вышла замуж за владельца консервного завода. В 1970-е Зорку нашли журналисты, она согласилась дать интервью в своей бельгийской квартире, стены которой украшали 16 ее портретов, написанных Йожефом Риплем-Ронаи. После смерти Зорки они пропали и до сих пор не числятся ни в музейных, ни в частных коллекциях.

14. Ревность. Ласло Мохой-Надь, 1925 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

«Мастер света», авангардист Ласло Мохой-Надь родился в 1895 году под именем Ласло Вейс. Надь — фамилия воспитавшего его дяди, а Мохой — название городка, где прошло его детство  Теперь Мол, Сербия.. Во время Первой мировой войны молодой человек бросил учебу на юридическом факультете и начал рисовать. В 1919 году он покинул Венгрию и перебрался в Берлин, где познакомился со своей будущей женой Луцией Шульц и благодаря ей стал заниматься фотографией.

Под впечатлением от работ Малевича и Эль Лисицкого Мохой-Надь создает абстрактные конструкции из разного материала и выставляет их настолько успешно, что Вальтер Гропиус  Вальтер Гропиус (1883–1969) — немецкий архитектор, один из основателей и первый директор школы Баухаус. приглашает его возглавить мастерскую обработки металла в школе Баухаус  Баухаус  — государственная высшая школа строительства и формообразования, существовавшая в Германии с 1919 по 1933 год и заложившая основы современной архитектуры и дизайна.. Но интересы Мохой-Надя металлом не ограничиваются, он экспериментирует с живописью, скульптурой, фотографией (вскоре он возглавит и мастерскую фотографии), занимается рекламой, снимает фильмы, пишет эссе, создает театр Баухаус. Свет, изменение света и изменения с помощью света — главная тема его опытов. Он играет со светом и создает фотограммы — фотографии без камеры, отпечатки предметов на светочувствительной бумаге.

Одно из изобретений Мохой-Надя — фотопластика, вид фотомонтажа, кото­рым он занимался в 1925–1927 годах: по форме она соединяет изобразительное искусство с фотографией, а по содержанию это интеллектуальный юмор или даже гротеск, придающий всему произведению сюрреалистический характер. Мохой-Надь оставляет много свободного пространства, фигуры кажутся парящими в воздухе, композиции изящны и невесомы. Известно около 20 фотопластик Мохой-Надя, возможно, других и не существовало.

В «Ревности» мы видим несколько повторяющихся фигур, мужских и женских, черных и белых, настоящих и зеркально отражающихся. Кажется, что в области сердца белой мужской фигуры на заднем плане прячется темная присевшая женщина, которую прямая линия связывает с живой, веселой женщиной на первом плане. За этой улыбающейся женщиной в купальнике стоит мужская тень, через которую проходит та же линия. Мужская тень, так же как и темная фигура второго плана, — это, по-видимому, сам Мохой-Надь. Именно так он выглядит на фотографиях тех лет. Веселая женщина поселилась в сердце у белого мужчины, и их связывают узы любви. Но где же здесь ревность? Возможно, все, что мы видим на фотопластике, происходит в воображении жены художника Луции. Конечно, это только предположение, но ясно, что художник изображает свои чувства, беспокойство, дискомфорт. Фигуры или их тени становятся у Мохой-Надя прозрачными, как стеклянная архитектура, — возможно, этим он подчеркивает хрупкость отношений.

Вполне вероятно, что у Луции были причины для ревности, их брак с Мохой-Надем действительно продлился недолго: покинув Баухаус в 1928 году, Мохой-Надь через год оставил и жену.

15. Спящая женщина с черной вазой. Роберт Берень, 1927–1928 годы

Частная коллекция

Роберт Берень учился в Париже, был знаком с Пикассо, Матиссом, дружил с Сутиным и Модильяни. Проводил большую часть времени во Франции, но выставлялся и в Венгрии, вступил в «Общество восьми», объединившее венгерских художников-модернистов. Береня интересовала не только живо­пись, но самые разные области искусства и науки — он написал оперетту, серьезно интересовался психоанализом, рекламной графикой. Конец этому насыщенному периоду положила Первая мировая война — художника мобилизовали. Вернувшись с фронта, он сначала выполнял заказы для Венгерской советской республики  Берень рисовал плакаты, самым знаменитым стал его авангардный плакат «К оружию! К оружию!»., затем уехал в Вену, потом в Берлин, где писал музыку и почти не писал картин, играл в квартете, давал уроки скрипки Марлен Дитрих и познакомился с очень талантливой виолончелисткой Этелкой Брёйер. Она стала женой и музой художника — Берень рисовал ее постоянно: читающая Эта, спящая Эта, Эта с кошкой, лисой, вазой, чайни­ком… К сожалению, большая часть этих картин погибла или пропала во время Второй мировой войны.

Одной из таких утраченных картин считалась «Спящая женщина с черной вазой», еще один портрет Эты, написанный в 1927–1928 годах. Теперь это не только самая знаменитая картина Роберта Береня, но и, возможно, самая знаменитая венгерская картина в мире — по крайней мере, ни одну другую венгерскую картину не видело столько людей. Но видели они ее не в музее, а в художественном фильме. Именно благодаря кино она и была найдена.

В 2008 году искусствовед Гергей Барки смотрел с дочерью фильм «Стюарт Литтл» и заметил на стене в гостиной семьи Литтл картину «Спящая женщина с черной вазой», которую видел когда-то на черно-белом снимке в архиве Венгерской национальной галереи. Началась длинная переписка со студией и ее сотрудниками, принимавшими участие в съемках фильма в 1999 году. Выяснилось, что картина была приобретена для декорации в антикварном магазине помощницей режиссера-постановщика, которая выкупила ее после съемок. Поначалу она отказывалась продать картину, но потом все-таки передумала. В итоге «Спящая женщина с черной вазой» была выставлена на торги и сейчас находится в частной венгерской коллекции.

16. Марсан. Виктор Вазарели, 1962 год

Коллекция Музея изобразительных искусств — Венгерской национальной галереи

Виктор Вазарели, один из самых знаменитых представителей оп-арта  Оп-арт, или оптическое искусство — художественное течение второй половины XX века, использующее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур., говорил, что вся его жизнь изменилась, когда он попал в 1929 году в «Мастер­скую», которую открыл в Будапеште художник Шандор Бортник. Его вдохно­вила идея Баухауса — Бортник считал, что время романтического творчества прошло, наступило время творчества полезного и конструктивного. Бросив медицин­ский факультет и курсы рисования, Вазарели освоил в «Мастерской» приклад­ное искусство, рекламную графику и дизайн. В 1930 году он уехал в Париж, где сразу получил заказы в рекламных агентствах. Во время войны Вазарели разрисовывал обертки для шоколада и подарочные коробки, а в мас­тер­ской, где он работал, прятались участники Сопротивления и беженцы. В 1944 году мастерская превратилась в галерею, работы Вазарели были показаны париж­скому художественному миру и одобрены влиятельными сюрреалистами — сам Андре Бретон  Андре Бретон (1896–1966) — французский писатель и поэт, основоположник сюрреализма. заинтересовался его картинами-обманками. Но Вазарели не захотел идти по стопам сюрреалистов — свои первые картины — исследо­вания цвета, света и пространства он назовет потом ложными путями. Его не интересуют сны и переживания, он хочет, чтобы от искусства людям было неудержимо весело, чтобы оно было доступно всем.

Искусство, считал Вазарели, должно войти в дома людей, украсить стены — цвет, считал он, необходим людям как воздух, вода или витамины, цвет способен изменить жизнь к лучшему. В 1959 году Вазарели придумал «пласти­ческий алфавит», чтобы каждый мог стать художником. Композиция, считал Вазарели, основана на перестановке форм и цветов, количество их сочетаний бесконечно, это и есть perpetuum mobile  Вечный двигатель (лат.). искусства, и в его создании могут участвовать все люди — нужно только выбрать композицию. С помощью «пластического алфавита» и написана картина «Марсан».